INFORMATION (Today)

By

Krypterte nettverk, digitale valutaer, kunstig intelligens, datainnhøsting, partiske algoritmer, roboter med egen bevissthet – alt dette er produkter av 2000-tallets databaserte kapitalisme. Livet i dag formes i stor grad av utbredelsen av informasjon, og av diffus og uhåndgripelig spredning og prosessering av data. Kunstnerne i gruppeutstillingen INFORMATION (Today) forsøker å nøste opp i dette fenomenet.

Utstillingen er ment som et uformelt tilsvar på den ikoniske utstillingen INFORMATION som fant sted ved Museum of Modern Art i New York i 1970, kuratert av Kynaston L. McShine, og undersøker hvordan dagens kunstnere forholder seg til den uendelige strømmen av informasjon og data og dens innvirkning på hverdagen. Den opprinnelige MoMA-utstillingen tok for seg informasjonsalderens framvekst på slutten av sekstitallet, da framskrittet innen data- og kommunikasjonsteknologi – og dermed også tilgangen på informasjon – plutselig skjøt fart. I de femti årene som har gått siden da, er informasjonstilgangen blitt allestedsnærværende og oppkoblingen konstant, og dette kan ha bidratt til å lulle oss inn i en sorgløs tilstand der vi ikke lenger har blikk for medaljens bakside, nemlig framveksten av stadig flere høyteknologiske former for overvåkning og den ekstreme eksponeringen persondataene våre blir utsatt for. Mer enn noen gang er det behov for en utstilling som undersøker de mange måtene informasjon danner betydning på. Vi lever i en tid hvor troen på sannhet virker å tilhøre fortiden og hvor hverdagen er fullstendig invadert av datateknologien – det være seg i form av «likes», informasjon om antall koronasmittede siste døgn, manipulasjon av demokratiske valg, dataindustriens karbonfotavtrykk eller algoritmisk profilering.

INFORMATION (Today) inneholder arbeider av internasjonale kunstnere hentet fra generasjonen født etter 1970, altså etter den opprinnelige INFORMATION-utstillingen. Dette er kunstnere som benytter seg av prosessering og formalisering av data som sentrale temaer i arbeidene. Utstillingen favner et bredt spekter av kunstneriske posisjoner, fra nyere arbeider og bestillingsverk i ulike medier (fra skulptur og maleri til video og performance, og spenner fra det definitivt materielle til det absolutt immaterielle), og gir slik et overblikk over noen av de mest lovende og utfordrende kunstneriske praksisene som forholder seg til data, teknologi og informasjon i dag.

Med American Artist, Alejandro Cesarco, Simon Denny, Lawrence Abu Hamdan, Marguerite Humeau, Zhana Ivanova, Tobias Kaspar, Gabriel Kuri, Liu Chuang, Ima-Abasi Okon, Laura Owens, Trevor Paglen, Sondra Perry, Cameron Rowland, Sung Tieu, og Nora Turato, kuratert av Elena Filipovic.

Utstillingen er produsert av Kunsthalle Basel i samarbeid med Astrup Fearnley Museet.

 

___

Installasjonsbilde: INFORMATION (Today), Kunsthalle Basel, 2021. I front: Marguerite Humeau, Riddles (Jaws), 2017–2021. Bak: Laura Owens, Untitled [SMS +41 79 807 86 34], 2021. Foto: Philipp Hänger/Kunsthalle Basel

 

Synnøve Anker Aurdal

By

Sommeren 2022 presenterer vi en omfattende utstilling med Synnøve Anker Aurdal.

 

Synnøve Anker Aurdal (1908 – 2000) er en av Norges fremste tekstilkunstnere og hennes dype kunnskap både om norsk vevtradisjon og samtidens billedkunst gjorde henne til en pioner på sitt område. Gjennom kunstnerskapet beveget hun seg fra tradisjonelt håndverk og brukskunst over i billedkunstens felt, der hun ble en sentral aktør og bidro sterkt til anerkjennelsen av tekstil som kunstnerisk uttrykksform. Anker Aurdal arbeidet i et modernistisk formspråk og introduserte det non-figurative som et sentralt element i sine verk.

Synnøve Anker Aurdal var utdannet ved søstrene Karen og Ragnhild Prestgards vevskole i Lillehammer og fra Statens Kvindelige Industriskole i Oslo 1932–34. I 1941 debuterte hun med en utstilling på Kunstnerforbundet. Anker Aurdal utførte flere offentlig bestillingssverk, som Høyseteteppet (1958-61) i Håkonshallen i Bergen (med Ludvig Eikaas og Sigrun Berg), og Norges gave til Island i anledning 1100-årsjubileet i 1974. I 1982 var hun Norges representant ved Veneziabiennalen. I Astrup Fearnley Samlingen finnes flere av Anker Aurdals sentrale verk, som vi nå ser frem til å vise for publikum.

 

Illustrasjonsbilde: Synnøve Anker Aurdal, Mennesker møtes, 1974. © Synnøve Anker Aurdal/BONO 2021

 

Nicole Eisenman – Giant Without a Body

By

BILDER FRA UTSTILLINGEN:

Josh Kline – Antibodies

By

Utstillingen Antibodies tematiserer de prekære forholdene som preger både liv og arbeid i et aggressivt nyliberalistisk samfunn hvor kriser og usikkerhet ikke bare definerer vårt arbeid, men også våre kropper og hele den menneskelige eksistens. Klines installasjoner, skulpturer og videoer er arbeider av kritisk spekulativ fiksjon som tar for seg det radikale potensialet for samfunnsutviklingen i vår nære fremtid – de potensielle utopiske og dystopiske mulighetene for endringer i politikk, økonomi, teknologi og biologi. Klines fiksjonelle fremtidsvisjoner tar utgangspunkt i fenomener som allerede former dagens virkelighet, som økende sosial og økonomisk ulikhet, brutalitet og overvåking, og verdien og fremtiden for menneskelig arbeid i en tid med eskalerende automatisering.

Kline er en av de viktige unge kunstneriske stemmene som i kjølvannet av finanskrisen i 2008 har brukt sitt kunstnerskap til å problematisere den menneskelige tilstanden i en global senkapitalistisk virkelighet, karakterisert av rask teknologisk utvikling, sosio-økonomisk omveltning og en stadig akselererende global klimakatastrofe. Hans kunstnerskap er sterkt og visjonært og stiller avgjørende spørsmål om fremtiden i en verden på randen av enten ruin eller gjenfødelse.


Kurator: 
Therese Möllenhoff

Om kunstneren: 
Josh Kline (f. 1979 i Philadelphia, USA) er en filippinsk-amerikansk kunstner som bor og arbeider i New York. Hans kunst har vært utstilt internasjonalt i soloutstillinger på Modern Art Oxford i Oxford, England, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo i Torino, Italia, Portland Art Museum i Oregon, USA, Modern Art i London, England og 47 Canal i New York, USA. I 2019 var hans verk inkludert i Whitney-biennalen, New Order: Art and Technology in the Twenty-First Century på the Museum of Modern Art, New York og The Body Electric på Walker Art Center, Minneapolis. Klines verk er innkjøpt av blant andre Astrup Fearnley Museet, Julia Stoschek Collection, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo og viktige amerikanske museer som the Museum of Modern Art, The Whitney Museum og Solomon R. Guggenheim Museum i New York.

Andy Warhol by Andy Warhol

By

I denne utstillingen inviterer vi publikum til å oppleve noen av Andy Warhols mesterverk, som har vært med på å revolusjonere forståelsen av kunst. Warhols popkunst medførte en grunnleggende endring i forståelsen av det å lage kunst og førte til en ny objektiv distanse mellom kunstner og betrakter. Andy Warhol, ofte referert til som en ’kunstner i tredje person’, omkapslet forbrukerkulturen i sin kunst ved å integrere ledende uttrykk, håp og aspirasjoner fra etterkrigstidens USA. Dette gjorde han med en slik overbevisning at hans kunst og hans person ble et merkevare i seg selv, lik de objekter og ideer han avbildet.

Installation images

Lizzie Fitch / Ryan Trecartin

By

Den kritikerroste amerikanske kunstnerduoen Lizzie Fitch og Ryan Trecartin er kjent for sine store installasjoner, som de betegner som «skulpturelle teatre», der de forener film, animasjon, lyd, performance og skulptur til en altomfattende opplevelse. Utstillingen på Astrup Fearnley Museet presenterer et av deres skulpturelle teatre med Plaza Point (2009) som inkluderer de tre filmene fra Trill-ogy Comp. I filmene er konvensjonelle fortellerstrukturer forkastet til fordel for en kompleks, multi-lineær fiksjon. De outrerte karakterene leverer en skjellsettende opplevelse av en hysterisk og skrudd verden, med dyp klangbunn i dagens virkelighet der vi er omgitt og påvirket av skjermer og digitale billedstrømmer. I disse grensesprengende arbeidene tar kunstnerne for seg hvordan teknologi og ny digital medievirkelighet har endret menneskets tilstand, språk og fortellinger. Med referanser til amerikansk ungdomskultur, nærringslivsretorikk og reality-tv utforsker de selviscenesettelse og digitale mediers påvirkning på subjektivitetsdannelse.

Skulptur har alltid spilt en fremtredende rolle i Fitch og Trecartins kunstnerskap, både på og utenfor skjermmediet. Utstillingen på Astrup Fearnley Museet er den første omfattende museumspresentasjonen med fokus på kunstnerduoens skulpturelle arbeider. Kunstnerne har forvandlet museets hovedsal til en særegen skulpturhage av enkeltstående figurer og komplekse narrative grupper. De voldsomme og tvetydige karakterene, både i film- og skulpturmediet, utfordrer etablerte identitetsroller som kjønn, etnisitet, alder, seksualitet og familierelasjoner og formidler en visjon av en fragmentarisk og kommersialisert verden fanget i en pågående teknologisk utvikling.

I Fitch og Trecartins utstilling på Astrup Fearnley Museet denne våren kan publikum forvente seg en eksplosiv verden av humor, horror, antiestetikk og kakofoni, som samtidig stiller viktige spørsmål og inviterer til refleksjon rundt kulturendringene som definerer vår tid.

Intervju: Lizzie Fitch and Ryan Trecartin fra Astrup Fearnley Museet på Youtube

 

Det er kunst med stor K – kunst det er umulig ikke å bli slukt inn i, kunst det er umulig ikke å gjøre seg opp en mening om. Med en altomfattende installasjon som leker med alle sansene, videoer som bringer fremtiden inn i samtiden og skulpturer som utfordrer virkeligheten. Det er samtidskunst på sitt beste.

 Danby Choi, Aftenposten

Det lar seg vanskelig gjøre å beskrive det som nå har inntatt Astrup Fearnley Museets utstillingssaler med ord. Utstillingen må oppleves. En must-see som du ikke vil gå glipp av!

 Una Mathiesen Gjerde, Subjekt

Det er et fascinerende kunstnerskap disse to kunstnerne representerer.

 Mona Pahle Bjerke, P2

Jeg har sjeldent sett et utstillingsrom bli mer effektivt tatt i bruk. Alt fra utstillingsgangen til lydsporet sitter, og hjelper til med å fordøye inntrykkene man blir bombardert med. Utstillingen er faktisk bortimot umulig å gjengi med ord, bilder, eller video.

 Emil Flatø, Morgenbladet
Lizzie Fitch (f. 1981) og Ryan Trecartin (f. 1981) møttes i 2001 på Rhode Island School of Design og har etter det samarbeidet tett. I 2006 ble Trecartin i en alder av 25 år den yngste kunstneren inkludert i Whitney-biennalen. Senere har duoen presentert utstillinger på steder som MoMA PS1 i New York (2011), Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (2011), Kunst-Werke Institute for Contemporary Art i Berlin (2014) og har også deltatt på prestisjeutstillinger som New Museum-triennalen (2009), Venezia-biennalen (2013) og Berlin-biennalen (2016). Etter å ha arbeidet fra Los Angeles i en årrekke er kunstnerne i dag basert i Athens, Ohio.

Kuratorer: Gunnar B. Kvaran og Therese Möllenhoff

Installation images

I Still Believe in Miracles – Verk fra Selvaags kunstsamling

By

Utstillingen, som har lånt sin tittel fra Douglas Gordons verk Letter Unsent #7 (I Still Believe in Miracles), vil vise utvalgte verk fra Selvaags samling av anerkjente internasjonale billedkunstnere og fotografer. I tillegg til flere spektakulære abstrakte og nymodernistiske verk av blant andre Louise BourgeoisEllsworth KellyRobert IrwinRichard Serra og Olafur Eliasson, vil utstillingen vise Selvaags betydelige samling av pionerverk innen amerikansk og japansk figurativt fotografi, som amerikanske Walker EvansDiane ArbusLee Friedlander og William Eggleston og japanske Shomei TomatsuDaido Moriyama og Nobuyoshi Araki.

I 2015 viste Astrup Fearnley Museet utstillingen Love Story – Verk fra Erling Kagges samling. De private kunstsamlerne og deres forhold til kunstverdenen har vært gjenstand for lite forskning og diskusjon i Norge. Mange har god oversikt over de offentlige kunstmuseene, de kommersielle galleriene, kunstakademiene og kritikerne, men de kjenner ikke kunstsamlerne og de private kunstmuseenes plass i helheten. De private samlernes kunsthistoriske rolle og ansvar er hverken tilstrekkelig belyst eller anerkjent. Dette er grunnen til at Astrup Fearnley Museet, som huser en av Europas viktigste private samlinger av samtidskunst, nok en gang har valgt å lage en utstilling med verk fra en norsk privat samling.

Museumsbygget med den omkringliggende skulpturparken, som er initiert av Selvaag Gruppen og Aspelin Ramm, vil i denne utstillingsperioden inngå som et av utstillingens kunstverk. Planleggingen, tankene bak og utførselen av dette ikoniske mesterverket, tegnet av den verdenskjente arkitekten Renzo Piano, vil presenteres med en egen utstilling i utstillingen.

Under planleggingen av utstillingen med verk fra Selvaags kunstsamling ble det stadig tydeligere at det ville være interessant å se på forbindelser mellom enkelte verk i samlingen og selve museumsbygget, som på et vis også er en del av samlingen. Under utstillingen tjener Renzo Pianos mesterverk som sentrum for en stor gruppe abstrakte malerier og skulpturer samt andre verk med en viss modernistisk eller nymodernistisk estetikk. I hovedsalen vises verk som har en affinitet til Pianos arkitektoniske språk, og som fremhever fargebruken og de formale aspektene ved arbeidet hans. For å ivareta den tette forbindelsen mellom kunstverk og arkitektur var det viktig at Piano ble medkurator for utstillingen og designet dens layout. Han har ikke bare valgt plasseringen av verkene, men også laget et system med fritthengende paneler som er festet i taket. Slik har han skapt en forlengelse av arkitekturen, som både danner en ramme rundt hvert enkeltverk og gir publikum en unik opplevelse av rommet.

Utstillingslayout: Renzo Piano
Kuratorer: Gunnar B. Kvaran, Peder Lund, Therese Möllenhoff
Utstillingsdesign: Renzo Piano Building Workshop, arkitekter
Prosjektgruppe: Emanuela Baglietto, Alessandro Zanguio

Bilder fra utstillingen

Fredrik Værslev – Fredrik Værslev as I Imagine Him

By

Fredrik Værslev (f. 1979) oppnådde tidlig et gjennombrudd på den internasjonale kunstscenen og har en rekke internasjonale utstillinger bak seg. Gjennom måten han utforsker og flytter grensene for hvordan maleri kan oppfattes har arbeidene hans blitt ansett for å være sterke bidrag til den internasjonale diskusjonen om moderne maleri.

Arbeiderne hans beveger seg mellom ulike maleritradisjoner, og er kjennetegnet av et insisterende fokus på selve maleprosessen. Verkene tar gjerne utgangpunkt i møtet mellom arkitektur og maleri og tar form som maleriske gjengivelser av motiver fra kunstnerens hverdag. Maleriene beveger seg ofte mellom abstraksjon og representasjon, slik som gjennombruddserien med Terrazzo-maleriene som imiterer visualiteten i italienske steingulv og samtidig påkaller ekspressiviteten og spontaniteten i den abstrakte ekspresjonismen. Canopy-serien minner om modernismen og dens stripemalerier, men tar utgangspunkt i markisene fra kunstnerens barndomshjem. Værslev tematiserer og utfordrer stadig selve maleprosessen f.eks. ved å la maleriene preges av utendørs værforhold eller ved å ta i bruk utradisjonelle maleredskap, som defekte spraykanner eller oppmalingsverktøy for veier og idrettsbaner.

I utstillingen presenteres ti ulike serier fra de ti siste årene av Værslevs kunstnerskap. Værslev har selv bestemt formen på installeringen, noe som gjør utstillingen til et verk i seg selv. Man vil kunne se hvordan enkeltmaleriene på et vis inngår som elementer i en større installasjon og hvordan oppsettet gjør sitt ytterste for å unngå de åpenbare, tradisjonelle løsningene. Uten å sette opp nye vegger eller gå på tvers av den eksisterende arkitekturen har Værslev hengt verk i parallelle formasjoner, noe som samsvarer med museumsbygget, men på en ukonvensjonell måte.

Utstillingens Art Bag har mønster inspirert av Canopy-serien og er laget slik at den kan sprettes opp og spennes på en blindramme. Hver eneste bag er nummerert og etter at bagen har fått den riktige patinaen av hverdagsbruk er den klar for å henges opp på veggen som et Canopy-maleri, der du selv har vært den deltagende parten i verket.

Se filmen om bagen:

Kuratorer: Gunnar B. Kvaran og Therese Möllenhoff

Utstillingen er sponset av ABG Sundal Collier og Aker ASA

Bilder fra utstillingen

Sol og vår i januar – Neste generasjon i norsk samtidskunst

By

I tillegg til kunstnerne, presenterer prosjektet en ny generasjon norske skribenter og trekker samtidig frem kunstsamleren som en konstruktiv del av den norske samtidskunstverden. Det gjøres en unik sammenkobling mellom disse aktørene; seks unge kunstnere kobles til hver sin kunstskribent og kunstsamler. Trioene skaper slik et rammeverk for prosjektet som danner grunnlaget for en interessant og viktig dialog mellom kunstnere, skribenter og samlere.

Utstillingen er et samarbeid mellom Astrup Fearnley Museet og Talent Norge. Museet har vært ansvarlig for å kuratere og arrangere selve utstillingen, mens Talent Norge har bidradd med generøs økonomisk støtte til kunstnerne og skribentene.

I utstillingen har vi valgt å fremheve det mangfoldet som preger norsk samtidskunst, representert ved følgende kunstnere: Miriam Hansen, Johanne Hestvold, Anders Holen, Henrik Olai Kaarstein, Mercedes Mühleisen og Constance Tenvik.

Miriam Hansen eksperimenterer med planter og organiske elementer i sine gjenstandsbaserte installasjoner og introduserer slik hva plantene kan fortelle oss, deres duft og mytologier. Johanne Hestvold gjenoppfinner modernistiske former og materialer i datategningens tidsalder og tilfører et nytt poetisk aspekt i abstrakte skulpturer. Anders Holens skulpturer er sammensatte figurer støpt i bronse som danner poetiske og gåtefulle fortellinger. Maleren Henrik Olai Kaarstein stiller kollasjer av fargede former opp mot bilder av kroppsdeler og antyder slik sensualitet og fetisjisme. Videokunstneren Mercedes Mühleisen har skapt en animert skulptur basert på boken Marvels of Pond-life av Henry James Slack fra 1861 som gir en grundig beskrivelse av mikroskopiske skapninger funnet i en dam. Constance Tenvik presenterer en installasjon løst basert på et lengre selvbiografisk essay av Xavier de Maistre, A Journey Around my Room, fra 1794, og bringer tilskueren inn i et imaginært rom som presenterer en blanding av skulptur, kostymer og teater.

Hver av de utstilte kunstnerne presenteres i et eget essay henholdsvis skrevet av Ina Hagen, Ingrid Halland, Simen Joachim Helsvig, Maria Horvei, Nora Joung og Nicholas Norton. Skribentene spiller en like viktig rolle i utstillingen som kunstnerne med hensyn til det å oppleve og tolke enkeltverkene.

I tillegg til kunstnerne, presenterer prosjektet en ny generasjon norske skribenter og trekker samtidig frem kunstsamleren som en konstruktiv del av den norske samtidskunstverden. Det gjøres en unik sammenkobling mellom disse aktørene; seks unge kunstnere kobles til hver sin kunstskribent og kunstsamler. Trioene skaper slik et rammeverk for prosjektet som danner grunnlaget for en interessant og viktig dialog mellom kunstnere, skribenter og samlere.

Utstillingen er et samarbeid mellom Astrup Fearnley Museet og Talent Norge. Museet har vært ansvarlig for å kuratere og arrangere selve utstillingen, mens Talent Norge har bidradd med generøs økonomisk støtte til kunstnerne og skribentene.

I utstillingen har vi valgt å fremheve det mangfoldet som preger norsk samtidskunst, representert ved følgende kunstnere: Miriam Hansen, Johanne Hestvold, Anders Holen, Henrik Olai Kaarstein, Mercedes Mühleisen og Constance Tenvik.

Miriam Hansen eksperimenterer med planter og organiske elementer i sine gjenstandsbaserte installasjoner og introduserer slik hva plantene kan fortelle oss, deres duft og mytologier. Johanne Hestvold gjenoppfinner modernistiske former og materialer i datategningens tidsalder og tilfører et nytt poetisk aspekt i abstrakte skulpturer. Anders Holens skulpturer er sammensatte figurer støpt i bronse som danner poetiske og gåtefulle fortellinger. Maleren Henrik Olai Kaarstein stiller kollasjer av fargede former opp mot bilder av kroppsdeler og antyder slik sensualitet og fetisjisme. Videokunstneren Mercedes Mühleisen har skapt en animert skulptur basert på boken Marvels of Pond-life av Henry James Slack fra 1861 som gir en grundig beskrivelse av mikroskopiske skapninger funnet i en dam. Constance Tenvik presenterer en installasjon løst basert på et lengre selvbiografisk essay av Xavier de Maistre, A Journey Around my Room, fra 1794, og bringer tilskueren inn i et imaginært rom som presenterer en blanding av skulptur, kostymer og teater.

Hver av de utstilte kunstnerne presenteres i et eget essay henholdsvis skrevet av Ina Hagen, Ingrid Halland, Simen Joachim Helsvig, Maria Horvei, Nora Joung og Nicholas Norton. Skribentene spiller en like viktig rolle i utstillingen som kunstnerne med hensyn til det å oppleve og tolke enkeltverkene.

Samlerne vi har samarbeidet med i denne utstillingen er Clarksons Platou / Peter M. Anker, Knut og Cecilie Brundtland, Bettina Ford Jebsen, C. Ludens Ringnes Stiftelse / Christian Ringnes, AKO kunststiftelse / Nicolai Tangen og Talent Norge. Gjennom kunsthistorien har samlerne spilt en vesentlig rolle i å støtte kunstnere. I Oslo har kunstsamlerne blitt mer synlige de siste årene, ikke kun som et økonomisk støttesystem, men også som hovedpersoner i dannelsen av en konsensus rundt kunstnerne på den lokale kunstscenen.

Kunstnere: Miriam Hansen, Johanne Hestvold, Anders Holen, Henrik Olai Kaarstein, Mercedes Mühleisen, Constance Tenvik

Skribenter: Ina Hagen, Ingrid Halland, Simen Joachim Helsvig, Maria Horvei, Nora Joung, Nicholas Norton

Kunstsamlere: Clarksons Platou ved Peter M. Anker, Knut og Cecilie Brundtland, Bettina Ford Jebsen, C. Ludens Ringnes Stiftelse ved Christian Ringnes, AKO kunststiftelse ved Nicolai Tangen, Talent Norge

Kuratorer: Gunnar B. Kvaran og Therese Möllenhoff
Utstillingen er produsert i samarbeid med Talent Norge

Til å lage utstillingens grafiske identitet og formgi utstillingskatalogen har vi engasjert mimosa—studio, et nyetablert design- og kommunikasjonsbyrå grunnlagt av Karoline Bakken Lund og Thea Urdal.

Utstillingsprosjektet er støttet av Fritt Ord

 

Les mer om utstillingsprosjektet og intervju med alle de involverte

 Talent Norges nettside

“Vital ung gjeng på Astrup Fearnley Museet. En utstilling som er vel verdt et besøk.”

 Mona Pahle Bjerke, NRK P2

“Dette er en utstilling som er original og visuelt variert, den er overraskende fordoms- og dogmefri, og den er forståelig for et bredt publikum.”

 Lars Elton, Dagsavisen

Bilder fra utstillingen

GILBERT & GEORGE THE GREAT EXHIBITION

By

Helt siden de møttes på Saint Martin’s School of Art har de vært uatskillelige, både profesjonelt og privat. Året var 1967, og mens London var preget av det svingende sekstitallet hadde ikke Gilbert & George den minste interesse av å følge samtidens trender. Istedet kledde de seg i pene dresser – sine «responsibility suits» – og startet ferden mot å utfordre kunstens og samfunnets mange konvensjoner.

Fryktløse og alltid rett på sak har kunsten deres maktet å overrumple publikum. THE GREAT EXHIBITION består av verk fra perioden 1971 til 2016 og utvalget er gjort av Gilbert & George selv. Fra gulv til tak fylles utstillingsrommene på Astrup Fearnley Museet med bilder som både er groteske og strenge i sin oppbygning, surrealistiske og symbolske, men konsekvent plassert i det stramme rutenettet som er karakteristisk for dem.

Gilbert, født i 1943 i Dolomittene i Italia, og George, født 1942 i Plymouth i England, har med sin provoserende kunst et uttalt formål: «å avsløre indre fordommer hos de frisinnede og motsatt – å avsløre det indre frisinnet i de fordomsfulle». Helt siden de startet sitt samarbeid har Gilbert & George bodd og arbeidet i samme East End-kvarter i London, og fulgt med på hvordan tiden har endret omgivelsene deres. Alltid ulastelig antrukket i nesten matchende dresser er de to like mye et subjekt som objekt. Gilbert & George utgjør en udelbar kunstnerisk enhet og sammen har de uten forbehold viet seg selv og hele sitt felles liv til kunsten. Deres hverdag er like kreativ som den er strengt planlagt. Ved å redusere livet i hjemmet og på atelieret i Fournier Street til enkle hverdagslige rutiner – de storhandler en gang i året og spiser samme matrett på samme restaurant hver dag – har de skapt plass til fullstendig kunstnerisk galskap og kreativitet. Punkere og nasjonalister, folkedans og bomber, høstløv og kontaktannonser – med sitt uredde og egenartede blikk utforsker kunstverdens mest ikoniske duo verden slik den omgir oss.

Gilbert & George (Foto: Tom Oldham)

«I over et halvt århundre har de vært blant de mest fremtredende kunstnerne i verden. Det er ikke overraskende, ettersom de tilbakevendende temaene i deres kunst ikke kunne være mer grunnleggende for oss mennesker: politikk, religion, seksualitet og skjønnhet. Til syvende og sist handler deres kunst helt enkelt om den menneskelige eksistens»
– Daniel Birnbaum og Hans Ulrich Obrist

Installasjonsbilder