Nicole Eisenman – Giant Without a Body

By

Bilder fra utstillingen:

Josh Kline – Antibodies

By

Utstillingen Antibodies tematiserer de prekære forholdene som preger både liv og arbeid i et aggressivt nyliberalistisk samfunn hvor kriser og usikkerhet ikke bare definerer vårt arbeid, men også våre kropper og hele den menneskelige eksistens. Klines installasjoner, skulpturer og videoer er arbeider av kritisk spekulativ fiksjon som tar for seg det radikale potensialet for samfunnsutviklingen i vår nære fremtid – de potensielle utopiske og dystopiske mulighetene for endringer i politikk, økonomi, teknologi og biologi. Klines fiksjonelle fremtidsvisjoner tar utgangspunkt i fenomener som allerede former dagens virkelighet, som økende sosial og økonomisk ulikhet, brutalitet og overvåking, og verdien og fremtiden for menneskelig arbeid i en tid med eskalerende automatisering.

Kline er en av de viktige unge kunstneriske stemmene som i kjølvannet av finanskrisen i 2008 har brukt sitt kunstnerskap til å problematisere den menneskelige tilstanden i en global senkapitalistisk virkelighet, karakterisert av rask teknologisk utvikling, sosio-økonomisk omveltning og en stadig akselererende global klimakatastrofe. Hans kunstnerskap er sterkt og visjonært og stiller avgjørende spørsmål om fremtiden i en verden på randen av enten ruin eller gjenfødelse.


Kurator: 
Therese Möllenhoff

Om kunstneren: 
Josh Kline (f. 1979 i Philadelphia, USA) er en filippinsk-amerikansk kunstner som bor og arbeider i New York. Hans kunst har vært utstilt internasjonalt i soloutstillinger på Modern Art Oxford i Oxford, England, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo i Torino, Italia, Portland Art Museum i Oregon, USA, Modern Art i London, England og 47 Canal i New York, USA. I 2019 var hans verk inkludert i Whitney-biennalen, New Order: Art and Technology in the Twenty-First Century på the Museum of Modern Art, New York og The Body Electric på Walker Art Center, Minneapolis. Klines verk er innkjøpt av blant andre Astrup Fearnley Museet, Julia Stoschek Collection, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo og viktige amerikanske museer som the Museum of Modern Art, The Whitney Museum og Solomon R. Guggenheim Museum i New York.

Richard Prince – Verk fra Astrup Fearnley Samlingen

By

Richard Prince (f. 1949) er blant vår tids mest respekterte og samtidig mest gåtefulle samtidskunstnere. Han jobber konseptuelt med foto, maleri og skulptur og inntar samtidig roller som samler, skuespiller, grafisk designer og kurator. Han unndrar seg stadig kategorisering, undergraver kunstnerens tradisjonelle rolle og produserer sin egen mytologi. I løpet av 1970-tallet vendte Prince sin interesse mot billedmaterialet i livsstilsmagasiner, hvor han tok for seg klisjeer og stereotyper og omformet dem til motiver i sitt eget arbeid. Ved å refotografere bilder og ramme inn fotografiske elementer fra disse publikasjonene, utførte han en radikal kunstnerisk gest som stilte spørsmål ved originalitet, kunstnerisk produksjon og opphavsrett. Som etterkommer av Marcel Duchamp, Andy Warhol og popkunstens økende kritiske interesse for forbrukskultur, kan Prince’ refotografering betraktes både som en kynisk representasjon av virkeligheten, og som en gjennomtrengende granskning av den amerikanske kulturens visuelle språk. Arbeidet hans er ikke bare kopiering og appropriasjon, det er også en eksistensiell gest utført av en realistisk kunstner som tar i bruk et eksisterende figurativt språk i bearbeidelsen av sine tematikker. Slike verk bekreftet hans posisjon som en ledende manipulator av sosiale og kulturelle symboler.

Utstillingen viser verk fra mer enn 30 år av Prince’ karriere, representert ved både fotografier, malerier og skulpturelle verk. Den inkluderer verk fra sentrale fotografiserier som Cowboys og Girlfriends, hovedverket Spiritual America og den senere Publicities-serien, malerier fra seriene JokesCheck Paintings og den såkalte de Kooning-serien i tillegg til skulpturelle verk fra Hoods-serien og American/English.

Introduksjon til Richard Prince fra Astrup Fearnley Museet on Youtube.

Installation images

Nate Lowman – Verk fra Astrup Fearnley Samlingen

By

Nate Lowman (f. 1979) ble raskt betegnet som et av stjerneskuddene på New Yorks kunstscene tidlig på 2000-tallet, kjent for sin skarpe og vittige vri på appropriasjon og smakshierarki i kunsten. Gjennom bruk og manipulasjon av visuelle elementer hentet fra populærkultur, nyhetsoppslag og graffiti, samt bruken av smileys og «bumper stickers», retter han oppmerksomheten mot voldsromantikk, kjendisdyrking og politiske forhold i det amerikanske samfunnet. I hans store collagearbeider opptrer kunsthistoriske referanser og medieoppslag om hendelser og livshistorier side om side og maner frem en mengde ulike muligheter og innholdsrike, åpne fortellinger. I denne sammenstillingen av objekter og motiver dannes det et personlig og komplekst narrativ, ofte med klare referanser og underliggende kritikk av det amerikanske samfunnet.

«Lowman er spesielt flink til å spore opp sterke og relevante bilder som har et felles meningsinnhold, og som brenner seg fast på netthinnen. Bildene hans er aldri uskyldige: De har et klart politisk budskap, som ofte handler om volden i det amerikanske samfunnet. De lagdelte fortellingene hans bærer i seg en sterk sans for rettferdighet. Likevel er ikke raseri den dominerende følelsen; det er snarere tristhet blandet med sarkasme og mørk humor.»
– Gunnar B. Kvaran, i sin introduksjon i minikatalogen som følger utstillingen.

Astrup Fearnley Samlingen inneholder en rekke av Lowmans sentrale verk fra de siste 14 årene, der Studio Terrane fra 2017 representerer det nyeste. Verkene spenner fra silketrykk og skulpturer til hans særegne alkyd-malerier og store veggcollager som kombinerer appropriert populærkulturelt materiale med egne maleriske og skulpturelle verk.

Bilder fra utstillingen

Dan Colen – Verk fra Astrup Fearnley Samlingen

By

Dan Colen (f. 1979) er del av en kunstscene som vokste frem rundt New Yorks Lower East Side på begynnelsen av 2000-tallet. Scenen ble uformelt omtalt som «Bowery School», bestående av kunstnere som Nate Lowman, Ryan McGinley, Dash Snow og Hanna Liden, som alle på hvert sitt vis tar utgangspunkt i urban kultur i kunsten sin. Med skarpsinn, alvor og sosial teft kretser narrativene deres rundt de samfunnsstrukturene som betinger livene våre i dag.

Dan Colens kunstverk går i tett dialog med samfunnet og det politiske klimaet, samtidig som de kommenterer kunsthistorien og har tydelige referanser til musikk og film. I løpet av det siste tiåret har Colen utviklet en kunstproduksjon som ofte tar utgangspunkt i hyperrealisme, minutiøst gjenstandsmaleri og illusjonisme, og som nekter å la seg diktere av forventinger om et enhetlig kunstnerisk uttrykk.

Colens teknisk krevende verk vekker mange assosiasjonsrekker i sin kombinasjon av populærkulturelle og kunsthistoriske referanser og i sin uventede materialbruk, og skaper med det intrikate forbindelser mellom fantasi og virkelighet, forestilling og realitet. Verket Don’t Judge a Book by Its Cover (Another Country) ser ut som et maleri, men er tyggegummi på lerret, mens Miracle on 34th streetser ut som fugleskitt, men er maleri. Slik problematiserer verkene hans ofte etablerte forventninger til hvordan kunst skal se ut, hva den skal representere og hva den skal lages av.

Astrup Fearnley Samlingen inneholder sentrale verk som spenner over 12 år av Dan Colens kunstnerskap. Utstillingen viser et utvalg av hans eksperimentelle og hyperrealistiske malerier, skulptur, installasjon og film.

Bilder fra utstillingen

Jeff Koons – Verk fra Astrup Fearnley Samlingen

By

Jeff Koons føyer seg inn i en lang tradisjon av kunstnere som jobber med readymades innen både gjenstander og bilder. Blant appropriasjonskunstnerne i New York på slutten av 1970-tallet var Koons en sentral aktør og utviklet svært konseptuell kunst.

I begynnelsen presenterte han approprierte hverdagsgjenstander, som husholdningsmaskiner, basketballer, dykkerutstyr, badeleker i plast, og gjenstander basert på populærkulturelle estetiske referanser, ofte referert til som «kitsch». Ved å utføre objektene og bildene i tilnærmet materiell fullkommenhet og blåse dem opp i størrelseskala skjedde det en nivåheving av de enkle originalene til høyverdig kunst.

Bak alle Koons verk ligger det en historie som virker på mange ulike nivåer, inkludert kunstnerens personlige fortellinger. Samlet utgjør de et kunstnerskap som uttrykker fundamentale temaer knyttet til menneske og samfunn. I Koons’ arbeider konfronteres seeren gjentatte ganger med refleksjoner omkring sosial estetikk, selvtillit, viljestyrke, seksualitet, udødelighet og død.

Koons synliggjør i sin kunst behovet for å avvise alle ideer om skyld og skyldighet, som enten bevisst eller ubevisst ligger til grunn for våre handlinger, og å bryte med sosiale og kulturelle tabuer og intellektuell undertrykkelse.

“Slik Warhol presenterte nyhetsfotografier og ikoniske bilder som kunst, approprierer Koons de store massenes estetikk og deres sosiale og kulturelle konvensjoner for å «trenge inn i massenes bevissthet» og få gehør for en folkelig forståelse av at skjønnhet er kunst. «Det som skiller meg fra Warhol», sier han, «er at Warhol trodde at man kunne nå ut til massene gjennom distribusjon, mens jeg tror at man kan nå ut til massene med ideer.» Man kan legge til at Koons’ skaperhandling dessuten – og ikke minst – er en politisk handling, som sikter mot en revurdering av de kulturelle referansene til en klasse som altfor lenge er blitt ansett som en kulturell outsider.”

– Gunnar B. Kvaran, i sin introduksjon til utstillingens minikatalog.

I denne utstillingen presenteres et utvalg verk fra samlingen som viser Koons’ verk fra slutten av 80-tallet og utviklingen i hans banebrytende kunstnerskap.

Bilder fra utstillingen

Frank Benson – Verk fra Astrup Fearnley Samlingen

By

Han har skapt en betydelig samling skulpturer og fotografier, likevel teller ikke samlingen en stor mengde verk ettersom Benson jobber perfeksjonistisk, langsomt og meditativt i den kreative skaperprosessen.

Bensons tidlige skulpturer var mindre og sammensatt av ulike elementer som skapte fortellinger med et «surrealistisk» preg. Siden kom Human Statue (2005), en skulptur av en mann som utgir seg for å være en statue. Dette hyperrealistiske verket introduserte en serie med figurative skulpturer i full størrelse som Benson siden har jobbet med i løpet av de siste ti til femten årene. Human Statue har en nifs tilstedeværelse grunnet modellens holdning og forunderlige ansiktsuttrykk. Dette er karakteristisk for Bensons seneste skulpturer, hvor modellene spiller en aktiv rolle. I Human Statue (Jessie) (2011) fremhever Benson de gestikulerende og fysiske egenskapene til koreografen og danseren Jessie Gold. Human Statue (Juliana) (2014) er basert på kunstneren Juliana Huxtables selvportretter, som strekker seg utover det realistiske. Alle disse skulpturene av menneskefigurer har et sterkt og aktivt forhold til rommet som omgir dem.

Estetisk har Bensons figurative skulpturer gått igjennom en interessant utvikling, særlig etter at han gikk over til å bruke 3D-modellprogrammer. Dette har gitt figurene et mer konstruert og distansert utseende og en særegen signatur som tillegger verkene en klar originalitet og gir dem en unik plassering innenfor en lang rekke figurative skulpturer i kunsthistorien.

I løpet av de siste femten årene har Astrup Fearnley Museet fulgt Bensons kunstneriske utvikling og produksjon tett, og vi har kunnet inkludere flere av hans viktige verk i samlingen. Utstillingen vil for første gang vise alle disse verkene samlet og gi en god oversikt over hans kunstneriske produksjon.

Utstillingskatalog: I forbindelse med utstillingen gis det ut en minikatalog med spesialskrevne tekster. Les intervju med Frank Benson av den Los Angeles-baserte kunstskribenten Travis Diehl og et essay av Kelly Taxter, Bensons tidligere gallerist og nå kurator ved The Jewish Museum i New York.

Kurator: Gunnar B. Kvaran

Bilder fra utstillingen

Olav Christopher Jenssen – Verk fra Astrup Fearnley Samlingen

By

Helt fra begynnelsen av 1980-tallet har Jenssen utviklet et abstrakt ekspresjonistisk formspråk der han systematisk har forsket på formelle muligheter og fargeuttrykk. Fra figurasjon i 1980-årene mot ulike uttrykk innen det abstrakte maleriet som spenner fra organiske til mer geometriske former, alltid med vekt på farge, rom, flate og materie. Jenssens nonfigurative malerier er kjennetegnet av en energisk og intens fargeholdning ofte med en kompleks overflatebehandling. Fargene varierer fra skinnende sterke, nesten fluorescente toner til mildere pastellfarger. Komposisjonene og fargefeltene kan ofte minne om landskapsaktige former som horisonter og fjell, eller som Jenssen selv har betegnet det, som indre landskap, som fra barndomsminner.

Jenssen er en sentral kunstner i Astrup Fearnley Samlingen. Samlingen inneholder et stort antall av hans verk fra ulike tidsepoker som på en god måte viser hans kunstneriske reise.

Kurator: Gunnar B. Kvaran

Bilder fra utstillingen

Anselm Kiefer – Bøker og tresnitt

By

Det var bøkenes materialitet og estetikk som dannet grunnlaget for Kiefers første kunstverk og gjennom daglige journalnotater har han reflektert rundt eget arbeid og fordypet seg i litteratur som står hans egen tenkning nær. Utstillingen Anselm Kiefer – Bøker og tresnitt forsøker å vise – gjennom et beskjedent utvalg, med tanke på kunstnerskapets omfang – de mange forbindelsene som finnes mellom Kiefers arbeid og poesi, myter, sumeriske og bibelske fortellinger, historie, filosofi, kabbala og alkymi.

Mens Kiefers første bøker fungerte som rom der han kunne prøve ut ideer, assosiasjoner og tanker, begynte han etterhvert å utnytte boksidene til å utforske hvordan han kunne etablere narrativer og utnytte mediets forbindelse til tidens gang. Tematikken som ble utviklet i disse bøkene ble tatt videre i større formater i andre deler av kunstnerskapet, spesielt tresnittene. Denne grafiske teknikken, som han begynte med samtidig som bøkene, har gitt ham et helt annet type rom til å utvikle narrativer enn det lerretet kan tilby.

“Passende nok har bøkene, som har en unik stilling i Kiefers produksjon, en fremskutt posisjon i utstillingene hans, sidestilt med maleriene og skulpturene. For disse bøkene utgjør både akkompagnement, forarbeid og ettertanker til de andre verkene i kunstnerskapet.”
Rainer Michael Mason, Anselm Kiefer – bøker, inkubatorer og ekkokammere. Fra utstillingskatalogen.

Denne utstillingen, som er et resultat av et samarbeid mellom Jan Michalski Foundation for Writing and Literature i Montricher i Sveits og Astrup Fearnley Museet, viser en rekke bøker fra 1969 til 2017 og et utvalg tresnitt, sammen med malerier og skulpturer. De nyeste bøkene og tresnittene vises her for første gang.

Kuratorer: Natalia Granero og Gunnar B. Kvaran

Utstillingen ble vist på Jan Michalski Fondation fra 7. februar til 7. april 2019

Installasjonsbilder

Andy Warhol by Andy Warhol

By

I denne utstillingen inviterer vi publikum til å oppleve noen av Andy Warhols mesterverk, som har vært med på å revolusjonere forståelsen av kunst. Warhols popkunst medførte en grunnleggende endring i forståelsen av det å lage kunst og førte til en ny objektiv distanse mellom kunstner og betrakter. Andy Warhol, ofte referert til som en ’kunstner i tredje person’, omkapslet forbrukerkulturen i sin kunst ved å integrere ledende uttrykk, håp og aspirasjoner fra etterkrigstidens USA. Dette gjorde han med en slik overbevisning at hans kunst og hans person ble et merkevare i seg selv, lik de objekter og ideer han avbildet.

Installation images